Publicación de National Gallery of Art

Rápido, piensa en una estatua famosa. No le des muchas vueltas, la primera que te venga a la cabeza. ¿Lo has hecho? Probablemente te ha venido a la cabeza el David, de Miguel Ángel. No en vano es la estatua más famosa del mundo. Y esta estatua tiene una historia fascinante que encierra algunas lecciones muy interesante que puedes aplicar a tu vida. Espero que te guste esta pequeña clase de historia del arte ;) El David es una estatua de más de 5 metros de altura y más de 5 toneladas de peso que representa a David justo antes de enfrentarse a Goliat, e intenta plasmar la perfección física masculina. A pesar de eso, sus proporciones no son "perfectas". Las manos y la cabeza son excesivamente grandes, aunque se cree que Miguel Ángel creó esas proporciones expresamente, para demostrar que lo más importante de David era su mente y sus acciones. ¿Sabes qué es lo fascinante de esta escultura? Primero de todo, la historia que ocurrió cuando aún no era más que un trozo de mármol. El David está hecho a partir de un único bloque de mármol de Carrara, y curiosamente Miguel Ángel no fue el primero en intentar hacer algo digno con ese pedrusco. Previamente dos artistas (Antonio Rosellino y Agostino di Duccio) lo habían intentado, fracasando en el intento. Es decir, que cuando a Miguel Ángel (que por aquél entonces solo tenía 26 años...) le encargaron el David, tuvo que lidiar con un proyecto que otros dos grandes artistas habían abandonado. De hecho, ambos habían empezado a tallar el bloque de mármol, pero lo único que lograron era destrozarlo en el proceso. En su defensa dijeron que el bloque presentaba demasiadas imperfecciones que ponían en riesgo la integridad del mismo, por lo que no era un buen material con el que trabajar. Eso hizo que el enorme bloque de mármol quedara abandonado durante más de 25 años, hasta que Miguel Ángel decidió enfrentarse al desafío, creando en el proceso una de las mejores obras de arte de toda la historia de la humanidad. ¿Qué podemos sacar de ese primer punto? Pues que a veces nos dejamos llevar por las opiniones de los demás, y nos contagiamos de sus propias creencias limitantes, que adoptamos como propias. Es mucho más fácil aceptar que no podemos hacer algo a volcarnos en cuerpo y en alma en ese algo.

roiking.yupopstore.com Título: Busto de mujer con bola de cristal en equilibrio y refracción fotónica. En esta pintura se combina la figura de un busto femenino con un elemento simbólico, una bola de cristal en equilibrio. La presencia de la bola de cristal sugiere temas como clarividencia, misterio o el futuro, mientras que el busto representa la figura humana o la identidad. Esta combinación crea un efecto enigmático y evocador en la obra, invitando a reflexionar sobre la percepción, la identidad y el tiempo. La mención de la refracción fotónica explica cómo la luz se desvía al pasar a través de la bola de cristal, añadiendo una dimensión visual y simbólica adicional a la composición artística.

la belleza de una escultura, reside en lo que está puede transmitir al espectador,

Noche Max Beckmann Colección de arte de Renania del Norte-Westfalia, Düsseldorf, Alemania "Se trata, sin duda, de uno de los cuadros más horripilantes jamás pintados. Otros artistas, generalmente motivados por los fines superiores del patriotismo o el pacifismo, han mostrado los desastres de la guerra, la represión y el martirio; la tortura y el dolor se representan a menudo como los merecimientos justos de los pecadores que caen al infierno, y la asadura y la decapitación de los santos se representan para servir a la mayor gloria de Dios. Pero Beckmann no ve ningún propósito en el sufrimiento que muestra; no hay gloria para nadie, ninguna compensación, ningún regocijo por la justicia realizada, sólo dolor sin sentido y crueldad por sí misma. Beckmann culpa a la naturaleza humana como tal, y no parece haber escape físico de esta abrumadora autoacusación. Víctimas y agresores por igual están acorralados. No hay salida. "Y, sin embargo, curiosamente, la composición es visualmente satisfactoria: está unida como por un maestro carpintero. Ése es el aspecto más cruel de esta obra; El cuadro presenta un orden absoluto, como si dijera: así es como se supone que deben ser las cosas, esto es "regularidad". No sólo el diseño, con sus paralelos y ángulos complementarios, demuestra esta "ley y orden" pervertida; los colores también parecen bien espaciados y cuidadosamente distribuidos. La mujer en el primer plano a la derecha puede estar usando un corsé azul porque la lengua del hombre estrangulado en la esquina superior izquierda se volvió azul y el pintor necesitaba un equilibrio de colores. La corbata del torturador puede ser amarilla para corresponder con la cera amarilla de las velas.

🔹️KARMA 👉🏼Karma es una impresionante escultura de siete metros de altura concebida por el artista coreano Do Ho Suh, quien juega con nuestra percepción creando esta sinuosa torre compuesta por figuras humanas que, a hombros unas de las otras, parecen perderse en la infinitud del cielo. 👉🏼La estructura resultante parece desafiar las mismas leyes de la gravedad, presentándose con la apariencia de una elegante espina dorsal en la que cada una de las piezas se curva para dar paso a la siguiente con una exactitud milimétrica. 👉🏼Las noventa y ocho esculturas de acero inoxidable que la conforman se tapan los ojos unas a las otras, en un ejercicio de equilibrio que representa la conexión kármica a la que hace referencia la obra. Contribuye al misticismo de la escultura la luminosidad que irradia el acero inoxidable fundido del que está construida, capaz de reflejar los rayos solares. 🔹️La palabra karma viene del sánscrito y se entiende básicamente como una fuerza invisible y trascendente que se conforma con cada una de las acciones que realiza una persona. Esa fuerza da origen a una cadena de consecuencias. y representa, fundamentalmente, la ley de causa y efecto. 🔹️Karma es físicamente, acción; metafísicamente, la ley de retribución, la ley de causa y efecto. Todo ser humano recoge las consecuencias de sus propias obras 👉🏼Se Puede encontrar esta fascinante escultura de Do Ho Suh en el Jardín de Esculturas Sydney y Walda Besthoff del Museo de Arte de Nueva Orleans.

Retrato de la baronesa Elisabeth Bachofen-Echt Gustavo Klimt Colección Privada En el retrato de Bachofen-Echt, la línea de demarcación es más baja, de modo que la ilusión de un paisaje disminuye, aunque, como en los paisajes de Klimt, los planos horizontal y vertical pueden leerse fácilmente como dos bandas de color perfectamente planas. La postura de Elisabeth se refleja en una configuración triangular similar a la del cuadro de Primavesi, pero aquí esta forma se coloca contra la pared del fondo en lugar de en el suelo, de modo que cualquier sensación de distancia de perspectiva que pueda crear se acorta automáticamente, se devuelve a la realidad. en primer plano por el rostro de la mujer, que forma el vértice del triángulo. Al igual que el retrato de Primavesi, éste evidencia ampliamente la capacidad del artista para manipular el espacio para realzar la presencia de su modelo. El uso de motivos orientales concretos, que se hicieron cada vez más pronunciados en las obras posteriores de Klimt, fue una importante innovación en el cuadro de Bachofen-Echt. Ya se ha señalado la influencia de Oriente en composiciones como Judit y la cabeza de Holofernes. Lo que distingue la obra posterior es la extracción de elementos pictóricos aislados y su adaptación a los fines idiosincrásicos del propio Klimt.

Bautismo de Cristo Verrocchio Galería Uffizi, Florencia, Italia Se le atribuyen a Leonardo todas las partes ejecutadas al óleo. Es obra suya indiscutible el ángel que está de perfil, abajo a la izquierda, arrodillado y recogiendo sus ropas. Se evidencia la delicadeza de la mano de Leonardo, que ejecutó el rostro del ángel de modo muy maduro. Los ángeles expresan las diferencias estéticas de Verrocchio y Leonardo. El ángel del maestro mira con extrañeza al del discípulo, cuyo dinamismo contrasta con la rigidez del otro. Además, el ángel de Leonardo se distingue por su elegancia; sobre él derrama una luz que pone de relieve los drapeados rígidos y delicados de la vestimenta y las ondas de la cabellera dorada. Ya aquí se evidencia el estilo que caracterizará incluso las obras leonardescas de la madurez; se distingue a simple vista por la intensidad de los colores y, de modo más determinante, por el dinamismo que consigue imprimir en la figura del ángel y por los matices de color del paisaje. En algunas partes se evidencia el uso de las yemas de los dedos para extender la pintura y lograr mejor los matices de las epidermis.

La Virgen negra a la luz de la alquimia y el arte contemporáneo — Arsgravis - Arte y simbolismo - Universidad de Barcelona Figura. 1. Notre Dame d’Amiens. A partir siglo XIX, es mucho y muy diverso lo que se ha escrito sobre el fenómeno de las vírgenes negras. Desde el principio, la historiografía ha evidenciado la polarización del debate sobre su origen y sentido. Por un lado, están aquellos estudiosos que ven en el color de estas imágenes un mero accidente físico-químico y que, por esto mismo, no existen las vírgenes negras, sino estatuas deterioradas. Por otro lado, son numerosos los autores que consideran que la negritud de tales imágenes es intencionada y simbólica desde un principio. A la luz de los análisis científicos de las últimas décadas parecería que los primeros tienen razón, pues la mayoría de las vírgenes negras son tallas de carnaciones blancas ennegrecidas. Pero lo cierto es que el asunto no es tan sencillo. Saber cómo se han vuelto negras estas tallas no explica por qué se han ennegrecido y los motivos de la pervivencia de ese color negro “accidental”. Por otro lado, existen algunos casos de vírgenes negras cuyas blancas carnaduras esconden unas más antiguas y mucho más oscuras. Por lo demás, el concepto “virgen negra” es decimonónico y aparece en el ámbito académico para clasificar una serie de tallas que no tienen en común nada más que su negritud y que han llegado hasta nosotros como el resultado de una larga construcción cultural que se ha ido dotando de capas de sentido e interpretación. Se trata de un fenómeno que ha estado siempre vivo. Recordemos que no hay ni una sola talla reconocida como virgen negra que esté en la vitrina de un museo. Hay quienes ven en el color de estas imágenes un mero accidente físico-químico y otros que consideran que la negritud de tales imágenes es intencionada y simbólica desde un principio. Atendiendo a todas las fuentes y a la recepción del color de estas tallas durante cientos de años, bien parece que la clave del asunto se encuentra en la permisividad del ennegrecimiento de las imágenes, su reflexión poético-teológica y en su exaltación posterior, la cual se inició en el siglo XIV para afianzarse en toda Europa en la época del barroco. No quisiéramos extendernos en esta cuestión, pues ya hemos tenido ocasión de hacerlo en otro lugar. En este artículo nos gustaría, más bien, profundizar en una de las hipótesis que, dentro de la historiografía sobre las vírgenes negras, ha gozado de mucho predicamento y que aún hoy suscita interés entre los buscadores que recorren los caminos del hermetismo. Las tres hipótesis generales sobre el simbolismo de las vírgenes negras Antes de lanzarnos por esos caminos, conviene exponer muy brevemente las tres hipótesis que se han manejado a lo largo de los últimos 150 años sobre el sentido simbólico de estas tallas para después centrarnos ya en la que nos ocupa directamente. La primera hipótesis, a la que hemos denominado filo-pagana, plantea que un...

capturar la perfección física y el equilibrio armonioso del cuerpo humano, reflejando los valores y la estética de su tiempo