Publicación de Ornela Barisone, PhD

New release!!! Estética violada: teoría de la recepción de las prácticas artísticas posmodernas. De la enorme heterogeneidad de propuestas creativas que circulan hoy en el mundo del arte contemporáneo, si algunas pueden ser experimentadas y comprendidas como artísticas es debido a tres factores esenciales, aunque puedan y de hecho existan muchos más: la naturaleza de un fenómeno llamado semiosis, que permite hacer entrar en su curso, en su deriva, todo lo que circunstancialmente pueda ser utilizado para significar; la fuerza estructuradora de la función estética, el procedimiento que conlleva a la creación de textos inventivos con potencialidad artística, porque abren la posibilidad de un tipo peculiar de comunicación; el carácter ontológico de la compresión humana, que se mueve en espiral y deglute como un torbellino cualquier provocación comunicativa que pueda ser utilizada como herramienta para pensar, para generar empatía y conexiones intersubjetivas. En Estética Violada se analizan esos tres fenómenos en profundidad; y otros que van surgiendo en el propio andar, sin que haya garantías de certezas, al final. Hamlet Fernández Díaz 👇 https://lnkd.in/g--jJAVD #teoriadelarecepcion #estetica #artecontemporaneo #hermeneutica #semiotica #practicasartisticas

Se termina el año y quiero dejarles una reflexión compartida en ARTECBA, sobre todo porque es lo que me sigue atravesando: lo compartido, la construcción colectiva, las redes de trabajo. Gracias a quienes acompañan el entramado en donde nadie queda aislado, en donde los silencios también son parte y donde solo de manera conjunta podemos seguir haciendo. "El arte colaborativo no surge en el vacío, nace influenciado por las condiciones materiales y sociales de los lugares en donde se desarrolla. La ruralidad marca claramente la disponibilidad de recursos locales. En esos espacios la transmisión de saberes tradicionales forman parte del hacer colectivo y se traducen en las prácticas artísticas. Como contrapartida, los entornos urbanos, el acceso a la tecnología y la diversidad de la circulación de obras en múltiples espacios puede modificar la forma en la que una obra colaborativa tiene origen. Estas distinciones no pueden pasar desapercibidas porque constituyen la obra misma. Son la obra." https://lnkd.in/dEN8diRa

La incidencia del feminismo en la historiografía y en los museos ha facilitado el rescate de creadoras silenciadas y la visibilidad de las distintas generaciones de artistas contemporáneas. En la primera edición de Debats MAV, en el curso 2022-2023, debatimos sobre el formato expositivo, su evolución, el nuevo contexto y las exposiciones que necesitamos para seguir impulsando el reconocimiento de las artistas. A partir de las conclusiones de estas primeras jornadas, en la siguiente edición, curso 2023-2024, planteamos unos Debats centrados en tres grandes temas: el asociacionismo, la precariedad del mercado del arte y las dificultades de conciliación. Tras los encuentros elaboramos un documento con 10 propuestas concretas de mejora para nuestro sector. En esta tercera edición, curso 2024-2025, queremos seguir con las labores de visibilización de artistas mujeres y de genealogía feminista. Para ello, y siguiendo con el modelo de las ediciones anteriores, proponemos tres debats, en tres diferentes sedes, una por provincia, favoreciendo así el equilibrio territorial. Comenzaremos en el MACA de Alicante –que colabora con nosotras en esta edición– con la ponencia de Juncal Caballero Guiral, profesora titular de estética y teoría de las artes en la Universitat Jaume I. El pasado 15 de octubre el Manifiesto surrealista, publicado por André Bretón, cumplió 100 años. En este siglo el movimiento ha estado muy vivo, pero algunas de sus grandes virtuosas siguen siendo desconocidas para una gran mayoría. Es por eso que en esta primera jornada, el 6 de febrero a las 18:30h, hablaremos de Mujeres surrealistas y fotografía. Seguiremos en Valencia, el 11 de marzo, con la artista, docente e investigadora Rosa Sáez Salvador, con la que reflexionaremos sobre cómo incluir la perspectiva de género en las enseñanzas de diseño. Además, veremos cómo la performance feminista se puede emplear en el proceso de enseñanza-aprendizaje para sensibilizar a la comunidad educativa y transformar al alumnado en artivistas con capacidad de agencia. Por último, cerraremos nuestra tercera edición el 3 de abril en Castellón, en colaboración con el Máster Universitario en Investigación Aplicada en Estudios Feministas, de Género y Ciudadanía del Instituto Universitario Purificación Escribano. Nuestra ponente será la investigadora gironina Saray Espinosa Rostán, que rescatará el feminismo de la península a través de algunas de sus artistas con MUJERES ARTISTAS IBÉRICAS. Una genealogía arraigada

Este segundo taller va dirigido a visibilizar a través de una obra de arte la forma en que otros nos ven versus nuestra propia visión ante el mundo y sus múltiples escenarios. Ampliando el concepto de nosotros mismos. https://lnkd.in/e76W676N

El sistema español de las artes visuales: una tragicomedia en varios actos. Abstract: El sistema de las artes visuales en España se enfrenta a una situación compleja y desafiante, que evoca una auténtica tragicomedia lorquiana. La ambigüedad legal sobre quién es un "artista visual", la falta de políticas públicas efectivas, y un sistema educativo anclado en el pasado, dificultan la consolidación de un contexto artístico sólido. Mientras Europa avanza en la integración de arte, ciencia y tecnología con un enfoque comprometido socialmente, en España predomina una desconexión estructural que impide un verdadero desarrollo. Aunque hay esfuerzos y buenas intenciones, estos se ven limitados por una burocracia que diluye el potencial transformador del arte. Es urgente avanzar hacia políticas culturales que apuesten por el arte como un motor de cambio social y crítico, y no como mero entretenimiento superficial. #politicacultural #artistasvisuales #ACT https://lnkd.in/dVR-z7-e

El arte tiene la capacidad de transformar nuestra forma de ver el mundo, revelando lo invisible y despertando nuevas perspectivas. En la educación artística, esta misma magia sucede cada día. 🌟 #EducaciónArtística #Arte #Creatividad #Inspiración #DesarrolloIntegral

Después de 15 años de trabajar en colaboraciones arte+ciencia, estos son los errores que no volveré a tolerar: * Trabajar con artistas que creen que la ciencia se reduce a personas con bata blanca mirando por microscopios. ¡Camaradas! La ciencia es mucho más que eso. * Trabajar con científicos que piensan que el arte es solo para embellecer sus pósters. ¡Colega! El artista no es tu decorador personal. * Lidiar con instituciones que creen que arte+ciencia es simplemente hacer ilustraciones científicas. ¿En serio? Es el Siglo XXI, no el Siglo XIX. * Tolerar a artistas que no pueden concebir el razonamiento lógico-matemático como un acto creativo. * Caer en la trampa de fundaciones depredadoras que solo quieren publicar fotos de jóvenes en eventos arte+ciencia para luego engordarse los bolsillos. Estos errores no solo son frustrantes, sino que también obstaculizan el verdadero potencial de la intersección entre arte y ciencia. Todavía es necesario seguir elevando el estándar y exigir colaboraciones que realmente construyan un diálogo intercultural significativo (¡y en buena medida revolucionario!). #ArteYCiencia #Innovación #ColaboraciónInterdisciplinaria #STEAM

Nos preguntaban que de qué va nuestra Galería (esto traducido en un lenguaje de andar por casa). "Nuestro #trabajo #expositivo se centra en la mirada de los #artistas #jóvenes. Cómo plasman la #cotidianidad desde una perspectiva intimista. Las #tradiciones, las raíces, nuestro entorno. Pero también las obsesiones, ansiedades o frustraciones que acechan a las nuevas generaciones. Identificar a través de la obra lo que les impulsa. La innovación la planteamos desde una clara identificación del sujeto con las obras. Pretendemos que el observador conecte con las piezas, estableciendo ese hilo rojo que nos une con todo aquello que está destinado a formar parte de nuestras vidas. Tenemos claro que en una sociedad cada vez más individualista necesitamos identificar puntos de anclaje. Una narrativa de nuestras vidas que al menos nos enseñe que no estamos solos. Que nuestra realidad es la de muchos otros" Galería Sara Caso Aquí os dejamos una de las últimas piezas de Beatriz Lorenzo Iñigo. #artgallery #artecontemporaneo #artemadrid #galeríasdearte

Las líneas serpenteantes han cautivado durante mucho tiempo la imaginación humana, despertando la curiosidad entre científicos, naturalistas y artistas.Estas sinuosas curvas, presentes tanto en las formaciones naturales como en los patrones intrincados de las neuronas cerebrales, evocan movimiento, conexión y dinamismo, sirviendo como un puente entre lo visible y lo invisible. En este contexto, la obra de Diego Beyró (Buenos Aires, 1984) se nutre de esa fascinación universal por las líneas y del profundo significado que estas contienen. Su trabajo, cargado de trazos energéticos y vibrantes, nace de una experiencia transformadora que marcó su vida y trayectoria creativa. En 2016, Beyró comenzó una serie de viajes por el Camino de Santiago, ruta de peregrinación histórica que, para él, se ha convertido en mucho más que un recorrido físico: fue el inicio de un proceso de introspección y cambio personal, un primer paso hacia una nueva forma de ver y de crear. En este proceso, la práctica del dibujo se convierte en un acto revelador. Como afirmó el crítico y escritor John Berger, "dibujar es descubrir". La producción actual de Beyró, en la que predomina el azul y el blanco, refleja este viaje de descubrimiento y transformación. Estos colores, que evocan tanto serenidad como luminosidad, simbolizan la claridad y la introspección que surgen del acto creativo. La luz, omnipresente en sus paisajes, no solo embellece sus composiciones, sino que también actúa como un elemento metafórico que guía tanto al creador como al espectador en un camino de autoconocimiento. Las obras de Diego Beyró van más allá de lo meramente visual: se posicionan como un diálogo entre el movimiento físico y el emocional, entre el descubrimiento externo y el interno. Como las palabras de Berger sugieren, el dibujo no es solo una técnica, sino un medio para entender el mundo y a nosotros mismos. Así, las sinuosas líneas que traza nos invitan a reflexionar sobre la vida como un camino continuo. Mi texto curatorial para "Serpenteante", exposición que se inaugura hoy a las 19.00h en Casa Madre con el apoyo de la Embajada de Argentina. Os esperamos.