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Interesante que para esta película hayan estudiado tanto el tema de las emociones, vamos a ver en la segunda parte como evoluciona

NUEVE REINAS, emblemática película de una argentinidad que a pesar del tiempo sigue intacta Director: Fabián Bielinsky  by Adrián López Hernaiz El estreno de la versión original fue el 31 de agosto del año 2000. Otro país, otra época, otro contexto. Y en este caso, la expresión más cabal del nueno cine argentino, un movimiento rupturista y de vanguardia que tomó distancia de las habituales producciones surgidas al despertar de la recuperación democrática, entre mediados de la década del 80 y mitad de los años 90. Ese colectivo se caracterizó por trabajos más realistas, centrados en los planos secuencias y siguiendo las circunstancias de personasjes sometidos a la incertidumbre, mediante una trama que no tiene linealidad en el relato sino que apuesta a formas inesperadas de construir sus historias. En síntesis, se pone de manifiesto el azar, el individualismo y la fragmentación del sujeto moderno. Sin embargo, y hasta desde un punto de vista filosófico, existe una permanencia que sobrevive a los cambios y las continuas transformaciones de una sociedad local atravesada por los impactos de la aldea global. En pleno neoliberalismo, etapa de despersonalización, vacío existencial y caída de las utopías, sobrevive la épica de los sectores marginales. En ese contexto, Nueve Reinas fue la película más lograda, superlativa y trascendental de Fabián Bielinsky, un director de inconmensurable talento que sólo ha dirigido dos películas (la otra, El aura, estrenada en 2005), antes de fallecer en 2006, a los tempranos 47 años de edad como consecuencia de un ataque al corazón. Con un elenco calificado, en el que se destacan Ricardo Darín, Gastón Pauls y Leticia Brédice, dueños de actuaciones consagratatorias que les valieron importante reconocimiento de la crítica a nivel general, el argumento es tan sencillo como conocido, atrapante y a la vez descriptivo de modos de ser que están instalados en la argentinidad: un thriller policial, con dos delincuentes que unen sus habilidades para estafar a las personas o grupos empresarios, es el eje de una narrativa que inspira el delirio y la adrenalina de salvarse solos a como dé lugar, aspirando a ser millonarios en menos de 24 horas. ... https://lnkd.in/dGcdWY_A

NUEVE REINAS, emblemática película de una argentinidad que a pesar del tiempo sigue intacta Director: Fabián Bielinsky  by Adrián López Hernaiz El estreno de la versión original fue el 31 de agosto del año 2000. Otro país, otra época, otro contexto. Y en este caso, la expresión más cabal del nueno cine argentino, un movimiento rupturista y de vanguardia que tomó distancia de las habituales producciones surgidas al despertar de la recuperación democrática, entre mediados de la década del 80 y mitad de los años 90. Ese colectivo se caracterizó por trabajos más realistas, centrados en los planos secuencias y siguiendo las circunstancias de personasjes sometidos a la incertidumbre, mediante una trama que no tiene linealidad en el relato sino que apuesta a formas inesperadas de construir sus historias. En síntesis, se pone de manifiesto el azar, el individualismo y la fragmentación del sujeto moderno. Sin embargo, y hasta desde un punto de vista filosófico, existe una permanencia que sobrevive a los cambios y las continuas transformaciones de una sociedad local atravesada por los impactos de la aldea global. En pleno neoliberalismo, etapa de despersonalización, vacío existencial y caída de las utopías, sobrevive la épica de los sectores marginales. En ese contexto, Nueve Reinas fue la película más lograda, superlativa y trascendental de Fabián Bielinsky, un director de inconmensurable talento que sólo ha dirigido dos películas (la otra, El aura, estrenada en 2005), antes de fallecer en 2006, a los tempranos 47 años de edad como consecuencia de un ataque al corazón. Con un elenco calificado, en el que se destacan Ricardo Darín, Gastón Pauls y Leticia Brédice, dueños de actuaciones consagratatorias que les valieron importante reconocimiento de la crítica a nivel general, el argumento es tan sencillo como conocido, atrapante y a la vez descriptivo de modos de ser que están instalados en la argentinidad: un thriller policial, con dos delincuentes que unen sus habilidades para estafar a las personas o grupos empresarios, es el eje de una narrativa que inspira el delirio y la adrenalina de salvarse solos a como dé lugar, aspirando a ser millonarios en menos de 24 horas. ...

Película de Domingo: Mixed by Erry. Si buscas una película distinta, entretenida y basada en la vida real, “Mixed by Erry” es una buena opción. 🇮🇹Mixed by Erry es una película italiana, basada en hechos reales y que cuenta la historia de Enrico “Erry” Frattasio, un joven que en los años 80, creó un imperio pirata, desafiando las normas del mercado musical. 1. El ascenso de un antohéroe: No es un delincuente, es solo un emprendedor que se vale de su pasión por la música para crear un negocio. La piratería se muestra de una manera simpática, como una herramienta para salir de la pobreza a través de un sistema ilegal pero inofensivo a nivel moral. 2. Crítica al sistema capitalista y a la industria musical: La película se desarroll en Nápoles de los 80. Se retrata como un lugar vibrante pero lleno de carencias económicas, lo que refuerza la necesidad del personaje de subsistir. La cultura y las relaciones fraternales también juegan un papel importante, aportando un toque de autenticidad. 3. Tono cómico y ligero: La película mantiene un tono ligero, con momentos de comedia. El Humor se utiliza para humanizar a los personajes, acercarlos al público y aligerando la gravedad a la trama criminal. 👎Por un lado, en tono de comedia, pone en evidencia la poca conciencia que el ciudadano común tiene acerca de la nocividad de la piratería. 👍Por otro lado, es una celebración de la inventiva humana, y de cómo la música puede ser tanto un vehículo de expresión como un medio de supervivencia. #netflix #findesemana #recomendacion

El Guasón Una de las películas que, sin duda, ha calado hondo en el imaginario popular es “El Guasón”, del director Todd Phillips. Así lo demuestran los memes, comerciales de televisión y otros productos realizados a partir de este film. Además, ha tenido comentarios elogiosos durante el año de su estreno, 2019. Con retraso, he visto esta película y me he llevado una gran decepción. Hay tres aspectos que, pienso, hacen que esta película sea un producto defectuoso y no el film antisistema y profundo que pretende ser. (1) A pesar de la gran actuación de Joaquín Phoenix, el personaje de El Guasón no está bien construido a nivel de guion. El director no logra que sea creíble el tránsito de un payaso mediocre a líder de una protesta social y héroe cultural. En ese retrato el Guasón es una víctima de las circunstancias: el Estado ya no le provee de pastillas, la gente se burla de él. El director le quita cualquier responsabilidad. La forma del personaje de hacerse respetar es extrema, a través del asesinato. Pero, lo peor es que la muerte lo redime de sus demonios. Por otro lado, esta historia nos cuenta (2) que un loco, —que acaba de matar a una persona en una transmisión televisiva—, es escogido por los protestantes como su líder. ¿Entre líneas nos están diciendo que las personas que salen a tomar las calles para protestar no tienen pensamiento crítico, que la masa es un cúmulo de emociones negativas y no un movimiento estructurado y planificado? Además, (3) la película convierte una legítima protesta social en un tema de resentimiento contra los ricos. Ciudad Gótica cuenta con problemas de limpieza, delincuencia, salud, entre otros. La gente, en el film, con mucha razón sale a protestar para que las autoridades resuelvan el caos. No obstante, reducen la protesta a un tema de complejos y de una falsa lucha de clases. Conceptos repetidos por la prensa conservadora del Perú y Latinoamérica, cada vez que la gente sale a las calles. El Guasón confunde, no tiene los conceptos claros. No inspira. Diario El Tiempo Cusco lunes, 29 de enero de 2024

Resulta que ‘A Quiet Place: Day One’ de Michael Sarnoski sirve a dos amos: es una nueva entrega de una saga ya convertida en franquicia y además le da la razón a Blake Snyder ¿Por qué? Aquí está el texto

La paradoja de los villanos en las películas de Hollywood se refiere a la situación en la que los villanos, a pesar de ser los antagonistas de la historia, a menudo resultan ser personajes más interesantes, complejos y memorables que los propios héroes. Esta paradoja surge por varias razones: 1. Desarrollo del personaje: Los guionistas suelen dedicar más tiempo y esfuerzo a construir la psicología y la historia de fondo de los villanos, dotándolos de motivaciones claras y personalidades multifacéticas. Esto los hace más atractivos y comprensibles para la audiencia. 2. Interpretaciones actorales: Los actores que interpretan a villanos frecuentemente tienen la oportunidad de mostrar un rango más amplio de emociones y conductas extremas, lo que les permite destacarse en sus actuaciones. Un villano bien interpretado puede dejar una impresión duradera en el público. 3. Liberación de normas sociales: Los villanos no están atados por las normas y restricciones morales que limitan a los héroes. Esto les permite actuar de formas impredecibles y, en algunos casos, fascinantes, lo que capta la atención de la audiencia. 4. Estética y estilo: Los villanos suelen tener un estilo visual distintivo y llamativo, desde su vestimenta hasta su presencia escénica. Esta diferenciación estética los hace más memorables. La paradoja reside en que, aunque los villanos son los antagonistas que representan el mal o el conflicto en la historia, su construcción y presentación a menudo los convierten en los personajes más intrigantes y recordados, a veces eclipsando a los héroes que se supone deben ser los protagonistas de la narrativa.

En la película de El viaje de Chichiro aparece uno de los personajes de fantasía que más me gustan. Los Sincara. Estos. Unos personajes que han perdido todo lo que son y que fueron, y que no son más que una sombra. Y a riesgo de hacerte spoiler de una película que tiene más de 20 años, un alegato a que la frustración que guardamos dentro explota por otro lugar. Pero hoy no te quiero hablar de ello. Quiero que pongamos el foco en el simple hecho de ser un Sincara. De ser uno más. De no diferenciarte del mundo que te rodea. En el mundo de los negocios digitales, cada vez veo a más Sincara. Personas que no tienen personalidad de marca o que intentan ser la copia barata de alguien que ya está triunfando. Algo que tarde o temprano, lleva a las mismas consecuencias que las de este personaje en la película. A explotar. Creo que una de las preguntas más importantes que nos debemos hacer es una muy sencilla. ¿Quién queremos ser?

Los invito a leer el artículo que escribí sobre la película "El triángulo de la tristeza" https://lnkd.in/e56Y9UXV

Construyendo el legado de nuestra marca ¿Cuánto vale mi historia personal detrás de Mercado? ¿Lo determinará el número de reproducciones de esta película ? ¿Lo determinará el precio del presupuesto gastado en la producción? ¿O lo determinarán los críticos de mi vida o los críticos de la película? Lo cierto es que poco importa el número de reproducciones o quien le pone precio monetario a mi historia de vida. Lo verdaderamente importante es dejar esta vida con una historia ordenada, donde todo lo que haga en mi caminar resista a un archivo haciéndome cargo de mis propias acciones y las consecuencias que dejamos a las futuras generaciones. Una historia que te invita a reflexionar, qué tanto estás dispuesto a hacer de tu historia personal sin condenar a las futuras generaciones. Enfocada desde una perspectiva de constelaciones familiares.