Post de Gabriel Lomellini, Ph.D

Dans son film, Histoire(s) du cinéma, Godard dit : « L’image viendra au temps de la Résurrection. »  Soit une thèse classique des gnoses chrétienne, juive ou manichéenne, qui toutes conçoivent l’image comme l’élément même de la Résurrection.  Ce qui resurgit c’est éidos, c’est l’image. C’est par l’image qu’on sera sauvé et voir son image signifie être sauvé.  Histoire(s) du cinéma est une apocalypse du cinéma, aux différentes acceptions du terme.  Le premier sens du mot est celui de catastrophe. Dans la tradition juive, le jour de l’arrivée du Messie est en même temps ce qu’on désire le plus et ce qu’on craint le plus.  Mais c’est une apocalypse du cinéma aussi dans l’autre sens du mot, le sens plus littéral : une révélation. Le travail de Godard fonctionne comme un dévoilement du cinéma par le cinéma. Par quel moyen l’image acquiert-elle cette force messianique ? Serge Daney répondait : par le montage.  Selon lui, la thèse de Godard dans Histoire(s) du cinéma est que le cinéma n’a cherché qu’une chose, le montage, et que de cette chose, l’homme du XXe siècle avait terriblement besoin.  Mais qu’est-ce que le montage, dans cette perspective ? Ou, plutôt, quelles sont les conditions de possibilité du montage ? Voilà ce que Godard met en évidence. Ces conditions sont au moins au nombre de deux, la répétition et l’arrêt.Répétition et arrêt font système dans le cinéma, ils sont inséparables. Ensemble, ils réalisent la tâche messianique du cinéma. Cette tâche, telle qu’elle ressort d’Histoire(s) du cinéma, n’est pas une nouvelle création, mais un acte de « décréation ». Voilà la force de la répétition et de l’arrêt.  Deleuze dit que tout acte de création est acte de résistance, mais un acte ne peut résister que s’il possède la force de « décréer  » les faits. Sinon, aucune résistance n’est possible, les faits sont toujours plus forts. Que devient une image ainsi travaillée par la répétition et l’arrêt ? Elle devient, pour ainsi dire, «  image de rien ». Apparemment, les images que Godard nous montre sont des images d’images, extraites d’autres films.  Mais elles acquièrent la capacité de se montrer elles-mêmes en tant qu’images. Elles ne sont plus images de quelque chose dont on doit immédiatement retracer une signification, narrative ou autre. Elles s’exhibent en tant que telles. La véritable force messianique est cette force de rendre l’image à ce « sans image » qui, comme le disait Benjamin, est le refuge de toute image.  Giorgio Agamben. Histoire et cinéma :  à propos de Jean-Luc Godard. Article du Monde. 6 octobre 1995.    Robert Delaunay. Rythme, joie de vivre. 1930.

En marge des César, s’est tenue la Cérémonie des Marius. Un événement cinématographique incontournable, qui met en avant le métier méconnu des transcripteurs.  Véritables femmes et hommes de l’ombre du 7ème art, ils décrivent à travers leurs voix et choix de mots, l’atmosphère d’une pièce, l’ambiance d’une scène ou encore l’allure des personnages ! La transmission orale permet d’aider le public des personnes en situation de handicap visuel à plonger dans un film comme s’ils vivaient les scènes.   L’accès à l’image est encore méconnu en France, même si nos téléviseurs sont équipés de cette option. La rédaction de KissCity Paris a ainsi rencontré l’équipe du film qui a remporté le Marius pour « Le Règne Animal »   Quel est le défi majeur du métier de l’audiodescription face à l’automatisation des IA ? Pourquoi la démocratisation de l’accès à l’image est encore taboue en France ?  Découvrez cette « partition sonore » où les audiodescritpteurs « travaillent à l’oreille » et sont « les yeux des personnes aveugles ». #lesmarius #cinema #audiodescrition

C'est le 3ème volet de notre série mêlant cinéma et démocratie. Et quoi de plus actuel qu'une analyse des dictatures et de l'autoritarisme en ces temps troublés.

C'est le film que les cinéphiles du monde entier ont hâte de découvrir, depuis son sacre à Venise. Je vous donne toutes les clés pour comprendre pourquoi The Brutalist pourrait être le meilleur film de l'année, voire plus ! À lire sur Le Point

Le cinéma nous rend-il meilleurs ? Cette question apparemment anodine est plus sérieuse qu'il n'y parait. La force des images vient de ce qu'elles nous touchent directement à un niveau infra-rationnel, rencontrant en nous ce que Ralph Waldo Emerson a appelé les « maîtres de nos vies », ces idées aussi fortes que résistantes qui sont à l'origine de décisions que nous prenons dans notre vie, qu'il s'agisse de notre vie quotidienne ou notre vie professionnelle. Ainsi par exemple l’idée de la continuité des processus aléatoires de la dynamique des prix, fondement des formules de Black, Scholes et Merton ou de Harrison Kreps et Pliska, était devenue une idée résistante, profondément ancrée à un niveau infra-rationnel en chacun des professionnels financiers, infra-rationnel car aucun test statistique ne validait les hypothèses de Black, Scholes, Merton, Harrison, Kreps et Pliska. Cette idée résistante avait pris le contrôle des décisions des professionnels en agissant comme un virus dans leurs pensées. C’est la raison pour laquelle j’avais appelé cette idée résistante le « virus brownien ». Le virus brownien était devenu un « maître de la vie » des financiers, conduisant à la catastrophe de 2008. Le livre d’Hugo Clémot au titre étrange de Cinéthique, que je commente dans un article publié dans la nouvelle revue en ligne Littér'art créée par Erwan Mas précise ces perspectives en montrant comment le cinéma permet de toucher directement ces virus de la pensée qui nous contaminent sans que nous en ayons conscience. En ce sens, le cinéma produit une vraie éthique d'où la "cinéthique". L'article est en ligne ici : https://lnkd.in/eSqpaAfX Le cycle de projection “L’image de l’argent au cinéma” (Ciné-Money) organisé avec Bouchaud Elisabeth au Théâtre La Reine Blanche s’inscrit dans cette perspective. Que nous apprend le cinéma sur l’argent, pas tant sur l’argent « en soi », ce qui serait une sorte de cours d’économie ennuyeux, mais sur l’argent « pour nous » en tant que nous réagissons aux images sur l’argent et la finance que les metteurs en scène nous proposent, chacun dans son style propre. La prochaine séance du cycle de projections “L’image de l’argent au cinéma” au Théâtre La Reine Blanche, 2 bis Passage Ruelle, 75018 Paris (métro ligne 2 station La Chapelle) aura lieu le dimanche 17 mars à 18h00 avec la projection du film La banquière (1980) de Francis Girod. La projection sera suivie d’un dîner-débat au cours duquel Raphaëlle Moine, professeure en études cinématographiques, Université Sorbonne Nouvelle, nous présentera un exposé sur : « Les scandales financiers au prisme des biopics français » Seront abordés l’affaire Stavisky (Stavisky, d’Alain Resnais, 1974) et l’affaire Kerviel (L’Outsider, de Christophe Barratier, 2016). Billetterie ici : https://lnkd.in/e5xUBu8K

🎬 #Daaaaaali (de #QuentinDupieux) Quentin Dupieux est un serial filmeur, recherché par la police des cinéphiles frelatés pour oser hisser régulièrement l'absurde et le non sens (à moins que ce ne soit la poésie, tout bêtement) en art grandiose de la mise en scène. Son Dali avec six "A" n'échappe pas à la règle : réflexion généreuse à la fois sur le statut de l'artiste, le passage du temps, le concept même de réalité (ou d'objectivité), le film présente cinq acteurs différents pour interpréter le peintre catalan, qui vont du brio d'#ÉdouardBaer et du cabotinage globalement acceptable de #JonathanCohen, aux versions beaucoup moins convaincantes de Lelouche et Marmaï. Dupieux s'amuse à dilater le temps et il sème les anachronismes et les retours en arrière avec une aimable perversité . L'essentiel du film fonctionne comme des poupées russes; songe à l'intérieur du songe, rêve qui vient percuter la réalité, à moins que ce ne soit la réalité qui file droit s'échouer dans le fantasme. Dit comme ça, on aurait presque l'impression qu'il s'agit d'un (pas si) long métrage assez prétentieux, mais dans les faits, Dupieux n'oublie pas l'humour et ses spectateurs. Et pour peu qu'on se prenne au jeu, ce ne sont pas les moments dingues, loufoques, éclairés, qui manquent à l'appel. Il ne faut pas prendre très au sérieux le dramatique de l'existence, la représentation perpétuelle que peut être une vie. Quitte à pousser le concept à son paroxysme, autant endosser un instant l'un des costumes de Dali, pour faire du prosaïque quelque chose de délirant et d'insaisissable. Dupieux l'a fait; une fois encore une franche réussite. #dali #film #cinema

MAD MAX FURIOSA est un film absolument phénomènal, l'oeuvre d'un cinéaste que je définirais ainsi : acharné et méthodique. Il y a deux sortes de blockbusters. Ceux où l'action et les vfx sont confiées à des équipes séparées, qui ne se parlent pas forcèment, et travaillent à la chaîne, souvent dans un processus mécanique et sans âme : ça donne 99% de ce qu'on voit en ce moment, un art du "vide très cher", qui ne joue que sur des automatismes. Et il y a Georges Miller. Miller a fait des études de médecine, pour devenir, je crois, chirurgien. Cela nécessite concentration, sang froid, acharnement et méthode. On retrouve toutes ces qualités dans son style de mise en scène, déterminé et précis. Comme si chaque action avait une logique imparable. Visuellement, je me suis dit en regardant FURIOSA qu'il nous donnait une bonne indication de ce à quoi aurait ressemblé le DUNE de Jodorowsky, surtout dans le foisonnement de costumes récupérés, d'accessoires dérisoires, de maquillages voyants. Le dialogue est d'une poèsie folle, plein de litotes et d'euphémismes littèraires. Le film n'a pas marché, en tous cas pas comme l'espèrait ceux qui y ont cru. En tant que cinéaste, l'échec de FURIOSA n'est pas une bonne nouvelle. Mais il indique, 10 ans après le triomphe de FURY ROAD, une dégradation spectaculaire de l'accueil réservé par le public à ce type d'approche presque artistique et littèraire d'un matériau qui brasse mythes, religion et politique. On me rétorquera que DUNE est un contre exemple et c'est probable. Mais même si j'ai une immense admiration pour le film de Villeneuve, je le crois en réalité légèrement moins "risqué" que FURIOSA. Point de vue personnel. En tous cas, à l'heure du "contenu" tout puissant, ces deux films prouvent qu'un réalisateur à qui on donne les moyens n'est ni un technicien ni un "service provider" (comme on a tendance à le croire aujourd'hui) mais un artiste total. Il n'y a qu'un Georges Miller, et on ne reverra jamais quelque chose d'aussi fou, cruel et provocateur, tout en tôle froissée et mélancolie, qui nous laisse entendre que nos vies sont des songes sur le point de devenir des cauchemars.

Si vous aimez… 1. Les films de motards façon années 60 2. Les sommets du néoréalisme tournés dans l’Italie en ruine de l’immédiat après-guerre 3. Les histoires de flics sud-coréens face à un crime abominable 4. Les films de danse qui tournent au cauchemar 5. Les histoires vraies qui condamnent l’homophobie 6. Les films pompés sans vergogne par Quentin Tarantino 7. Les films qui précipitent Donald Trump dans une colère noire 8. Les très rares adaptations de romans d’Agatha Christie que l’écrivaine a appréciées (… mais aussi les combats de femmes dans les systèmes les plus patriarcaux, les séjours dans la jungle brésilienne menacée de disparition, les retrouvailles entre anciennes et anciens lycéennes et lycéens, les films de vengeance postapocalyptique ou encore les documentaires brûlants sur le Proche-Orient…) … alors vous allez forcément trouver votre bonheur dans ma petite sélection de films qui sortent en salles ou sont diffusés à la télévision ces prochains jours. Comme chaque semaine, tout est sur Cinémamour, façonné par la passion, forcément partial et, je l’espère, très utile pour aller à l’essentiel. Très belle semaine à toutes et tous. https://wix.to/An2mTqo #nouveaupostdeblog

Franc-maçonnerie, francs-maçons et cinéma (Par Pierre Courrege) ÉCRIRE, RÉALISER, PRODUIRE DE L’ÉCRIT À L’ÉCRAN La franc-maçonnerie, avec son histoire plus ou moins accessible à tous, avec ses rituels secrets plus ou moins divulgués et ses influences plus ou moins attribuées, alimente l’imaginaire collectif. Quant aux francs-maçons, ils sont souvent perçus comme membres d’une société secrète empreinte de mystères, d’intrigues, et détenteurs de savoirs ancestraux qui leur confèrent pouvoir et puissance. https://lnkd.in/e-ZtEv-Q

Il reste encore demain via L'Officiel des spectacles @lofficiel : https://lnkd.in/engAQ9Q4 Grand sujet, traité sans effets spéciaux, c'est à dire sans prétention, et qui montre, par la même occasion, quels sont les éléments vitaux pour réussir un bon film : - Des acteurs convaincants sur le plan des jeux de rôle, des relations qui les lient entre eux. -Des vues peu connues (pourtant il s'agit de la ville Rome) . -Le juste ton pour aborder le sujets tabous. Finalement, le film fait rêver que l'histoire du cinéma continue et ne s'est pas arrêtée avec l'arrivée des films d'animation 100% numériques. Le 7ème art continue sa vie à part. Le cinéma renoue avec sa tradition de grands auteurs. La chose la plus importante au cinéma n'est pas le budget, ni le directeur, ni le script, ni l'histoire. Orson Welles : "you can make a great film about nothing. Look at Fellini". Pas besoin d'investir des milliards dans la technologie pour faire une culbute. Trop souvent l'industrie du cinéma, corrompue par le capitalisme, repose sur un mécanisme de la chasse d'eau. Enfin, un film où le spectateur respire.