Post di Pixartprinting - a Cimpress Company

Lo sai qual è il blu più blu di tutti i #blu? Il blu Klein La sua storia è la storia di come un colore può diventare una firma, un elemento fortemente distintivo, tanto da dover essere brevettato. Yves Klein, uno degli artisti più interessante, più esplosivo, più innovatore delle avanguardie del ‘900 cercava un colore che fosse il più puro possibile. Lui, che aveva un rapporto di amore viscerale con i colori, faceva uso dei #pigmenti senza alcun legante, per impedire che perdessero anche solo una minima parte della loro purezza.  Un blu qualsiasi non poteva essere sufficiente a esprimere la sua idea di blu. Così decise di iniziare a sperimentare per creare il suo blu. Alla fine lo trovò, il suo blu più blu di tutti i blu, è lo chiamò l’International Klein Blue (IKB). Con questo colore spettacolare, oltre ai dipinti monocromi, coprì integralmente copie di opere classiche come la celebre Victoire de Samothrace o la Vénus bleu. Nel 1960, Klein brevettò la sua formula come #InternationalKleinBlue. Il brevetto non riguardava il colore stesso in quanto tale, ma la formula chimica specifica che lui aveva sviluppato per raggiungere quella particolare tonalità di blu. Il brevetto garantiva a Klein i diritti esclusivi sulla formula e la sua applicazione, ma non sul colore per sé, che resta un concetto astratto e non brevettabile. Ho scelto di parlare del blu Klein per sottolineare come il #colore, usato così, diventi un #marchio di fabbrica, un segno fortemente distintivo, per un artista ma a maggior ragione per un brand, pensiamo ad esempio all'azzurro Tiffany... - - - - - - - - - - - - - - 😊 Seguimi se vuoi saperne di più sui colori. - - - - - - - - - - - - - -

Leggi su #ICONmagazine > Vestirsi ad arte! Gli artisti diventati icone di stile - Siamo andati a caccia di quegli artisti il cui talento non si è manifestato solo nelle loro opere, ma anche nella scelta degli abiti e il cui stile è diventato inconfondibile Reworld Media Italia

Pochi tessuti comunicano ricchezza, potere e sacralità come il velluto. E non a caso, nel corso della storia, re e aristocratici, papi e vescovi, fino ad arrivare alla ricca borghesia affamata di una simbologia che comunicasse la raggiunta opulenza economica, lo hanno sempre scelto per il proprio abbigliamento: lo testimoniano gli innumerevoli ritratti conservati nelle pinacoteche di tutto il mondo. Per capirne la ragione basta vederlo, e toccarlo, una volta: la sua morbidezza, il suo calore, i suoi colori brillanti che giocano con la luce assumendo sfumature diverse ne hanno fatto, fin dalla sua nascita dai contorni oscuri, un materiale fuori dal comune. Il suo fascino è arrivato inalterato fino ai giorni nostri, sopravvivendo agli alti e bassi decretati dagli stilisti e dagli interior designer (sì, perché il velluto è stato ed è molto usato anche nell’arredamento). Certo, oggi è un tessuto più alla portata di tutti grazie alla meccanizzazione che ha velocizzato e reso più economica la sua tessitura e così chiunque di noi può sperimentare la sensazione di eleganza che emana da una giacca piuttosto che da un divano in velluto. Ma come accade in tanti campi, anche in questo ci sono, pochissimi, irriducibili che vogliono continuare una tradizione di esclusività fondata su una produzione manuale, lenta, difficile, non scevra di minuscole imprecisioni che, lungi dall’essere errori, ne rappresentano invece l’assoluta unicità. Uno di questi è la veneziana Tessitura Luigi Bevilacqua: fondata nel 1875 ancora oggi utilizza venti telai manuali risalenti al Settecento sui quali si alternano sette tessitrici che lavorano come all’epoca dei Dogi. Un’attività gravosa, anche fisicamente, che però è ripagata dalla bellezza del risultato: un velluto conosciuto e ambito da ricchissimi come da case reali. Leggi l’articolo su Workout magazine. #studiochiesa #studiochiesab2b #studiochiesaworkout #workoutmagazine #corporateheritage #culturadimpresa #velluto #tessutiveneziani

Pochi tessuti comunicano ricchezza, potere e sacralità come il velluto. E non a caso, nel corso della storia, re e aristocratici, papi e vescovi, fino ad arrivare alla ricca borghesia affamata di una simbologia che comunicasse la raggiunta opulenza economica, lo hanno sempre scelto per il proprio abbigliamento: lo testimoniano gli innumerevoli ritratti conservati nelle pinacoteche di tutto il mondo. Per capirne la ragione basta vederlo, e toccarlo, una volta: la sua morbidezza, il suo calore, i suoi colori brillanti che giocano con la luce assumendo sfumature diverse ne hanno fatto, fin dalla sua nascita dai contorni oscuri, un materiale fuori dal comune. Il suo fascino è arrivato inalterato fino ai giorni nostri, sopravvivendo agli alti e bassi decretati dagli stilisti e dagli interior designer (sì, perché il velluto è stato ed è molto usato anche nell’arredamento). Certo, oggi è un tessuto più alla portata di tutti grazie alla meccanizzazione che ha velocizzato e reso più economica la sua tessitura e così chiunque di noi può sperimentare la sensazione di eleganza che emana da una giacca piuttosto che da un divano in velluto. Ma come accade in tanti campi, anche in questo ci sono, pochissimi, irriducibili che vogliono continuare una tradizione di esclusività fondata su una produzione manuale, lenta, difficile, non scevra di minuscole imprecisioni che, lungi dall’essere errori, ne rappresentano invece l’assoluta unicità. Uno di questi è la veneziana Tessitura Luigi Bevilacqua: fondata nel 1875 ancora oggi utilizza venti telai manuali risalenti al Settecento sui quali si alternano sette tessitrici che lavorano come all’epoca dei Dogi. Un’attività gravosa, anche fisicamente, che però è ripagata dalla bellezza del risultato: un velluto conosciuto e ambito da ricchissimi come da case reali. Leggi l'articolo su Workout magazine. #studiochiesa #studiochiesab2b #studiochiesaworkout #workoutmagazine #corporateheritage #culturadimpresa #velluto #tessutiveneziani

Il lusso come ostentazione ? Si ,ma di cosa?. Riprendo questo bel post di Chiara Bardelli Nonino, per condividere il libro scritto dal duo Michele / Coccia. Visto il profilo dei due personaggi in questione è inutile aspettarsi ricette miracolose , "how to" o proclami egoriferiti sul come salvare il mondo della moda dalla confusione in cui è piombato. Qui non si parla di "mettere il cliente al centro", ma di come la persona venga prima di ogni altra cosa. Lungi da me entrare nel merito dei risultati economici di Gucci durante la gestione Alessandro Michele ; il tema interessante riguarda il fil rouge che lega gli aspetti emotivi con un abito griffato. Nulla si crea, nulla si distrugge , tutto si trasforma. Questo sembra essere il mantra , si parte da ricordi, emozioni o esperienze vissute per trasformali in una sorta di esperienza di brand che mixa e remixa tutto il contrario di tutto in una specie di mashup a marchio Gucci ( o forse a marchio Alessandro Michele e prossimamente stessa cosa per Valentino ? ). Non si cerca "quello che piace alla gente ", anzi direi proprio che il messaggio sia quello di partire da una narrazione che non tiene minimamente conto del marketing ma che segue traiettorie personali e fuori da ricerche di mercato o analisi dei trend. Io , ma è un parere personale , leggendo questo libro ho capito che la costruzione di un brand può nascere da un pensiero libero , non condizionato e non esclusivamente legato ad analisi puramente commerciali. Si può essere se stessi e vedere se il mercato si identifica , invece di cercare di piacere forzatamente a tutti senza soddisfare nessuno. Forse è questa la vera sfida del lusso , trovare una identità magari riflettendo sul fatto che a volte dialoghiamo e condividiamo la visione di una persona e poi compriamo da una azienda. Grazie Chiara Bardelli Nonino.

Si fa presto a dire ROSSO! In realtà con questo termine si indica un ampia gamma di colori, diversissimi tra di loro, che comunicano #emozioni contrastanti. Ad esempio, c’è un tipo di rosso, il color #porpora, che ha una storia quantomeno affascinante. Il #colore porpora si ottiene dalla porpora, un #pigmento di origine animale, estratto da un Mollusco che si chiama murice (in Veneto lo chiamiamo "garusolo"). Il termine porpora indica in realtà un'ampia gamma di tonalità che variano dal rosso (rosso porpora) al blu-viola (porpora di Tiro). Da ogni mollusco si può estrarre solo una goccia dal colore violaceo. Per riuscire a tingere anche una sola veste occorrevano migliaia di esemplari, quindi, in pochissimi potevano permettersi di indossare abiti tinti in porpora. I primi ad usare questo pigmento furono i fenici e poi raggiunse Roma, dove la porpora divenne uno dei simboli della magnificenza imperiale. Nel Medioevo poi, le persone comuni indossavano vestiti di colori che oggi definiremmo sbiaditi (biancastri, marrone, beige), quindi chi si vestiva di porpora si distingueva, sia sul piano economico che spirituale. La stoffa di questa tinta serviva ai #Romani come segno esteriore di dignità: una balza stretta di porpora indicava l'appartenenza alla cavalleria, una balza larga a quello dei senatori. I magistrati invece, come distinzione del loro ufficio, portavano una striscia di porpora sulla toga. Ecco quindi perché, per centinaia di anni, indossare il rosso era sinonimo di potenza, #regalità, autorità, serietà e dignità. Dopo il Medioevo cambia tutto, il colore della regalità diviene il #blu lapislazzuli… ma questa è un’altra storia! - - - - - - - - - - - - - - 😊 Seguimi se vuoi saperne di più sull'origine dei colori - - - - - - - - - - - - - -

La mia Rubrica di Moda e Filosofia: "c’è moda perché ci sono corpi che si vestono per essere e c’è filosofia perché il pensiero è ovunque ".

in ogni epoca si trovano nuovi modi per essere “distintivi e memorabili”. nel 1903 Leonetto Cappiello inventò questa vera e propria immagine-marchio per il Chocolat Klaus. ho trovato questo manifesto tra le letture estive che mi hanno accompagnato in questi giorni. sono due artedossier di @Giunti, dedicati alla grafica italiana dal 1850 a oggi (o meglio ad inizio del millennio). Cappiello, da vero maestro, ha usato le sue capacità per trasformare lo stile visivo di un settore, quello della pubblicità tramite manifesti, che fino a quel momento era stato sviluppato con stile accademico in salsa bel epoque. arriva lui che da illustratore caricaturista porta un segno lineare nuovo e fortemente modernista. Il suo stile era fatto di pochi ingredienti: - figura singola al centro di tutto delineata con pochi tratti e colori intensi - sfondo planare piatto (scuro o a contrasto) - si svincola dalla logica descrittiva del prodotto nasce così l’elegante “l’amazzone a cavallo” per il Chocolat Klaus che promuove un prodotto senza mostrarlo, piazza in mezzo agli altri manifesti a Parigi un’immagine che esce con una forza sorprendente decretandone un successo di riconoscibilità. un’immagine che si fissava nello sguardo, e nella mente, dello spettatore come una vera propria immagine-marchio. oggi può sembrare un po’ ingenua, ma se abbiamo la capacità di vedere con gli occhi di allora questo passo in avanti della comunicazione visiva comprendiamo meglio cosa facciamo oggi. #marchio #brandmark #advertisng #pubblicita #comunicazione #identita #impresa #spiritodimpresa #brand #branding #brandidentity

Ecco qui il mio nuovo articolo per Tech Art Shoes (Tecniche Nuove Spa)!

Il ruolo dei tubetti di colore nella nascita dell'Impressionismo è stato fondamentale e rivoluzionario. Prima della loro invenzione nel 1841 ad opera dell'artista americano John G. Rand, i pittori dovevano preparare i propri colori mescolando pigmenti in polvere con oli, un processo laborioso che limitava il lavoro allo studio. I colori preparati avevano una durata limitata, rendendo difficile il trasporto e l'uso all'aperto. Con l'introduzione dei tubetti di colore, realizzati in stagno pieghevole, gli artisti poterono finalmente conservare e trasportare facilmente i loro colori senza rischi di essiccazione. Questa innovazione permise agli impressionisti di dipingere **en plein air**, cioè all'aperto, direttamente davanti al soggetto. La possibilità di catturare le variazioni fugaci della luce naturale e dei colori dell'ambiente divenne una caratteristica distintiva dell'Impressionismo. Gli artisti come Monet, Renoir e Pissarro sfruttarono questa libertà per sperimentare con tecniche e composizioni innovative. L'enfasi sul momento presente, sulle atmosfere e sulle impressioni visive immediate sarebbe stata impensabile senza la praticità offerta dai tubetti di colore. Inoltre, la disponibilità di colori pre-miscelati e pronti all'uso incoraggiò l'uso di tonalità più vivaci e pure, contribuendo alla rottura con la tradizione accademica. I tubetti di colore non solo semplificarono il processo creativo, ma trasformarono radicalmente il modo in cui gli artisti interagivano con il mondo naturale, dando vita a uno dei movimenti artistici più influenti della storia. #GPU #intelligenzaartificiale