Post di Damiani Group

L’insostenibile ineffabilità della bellezza Il dualismo tra mete e corpo Progetto realizzato nell’ambito del laboratorio di Exhibit Design modulo di design della comunicazione. https://lnkd.in/d2vQkHVA

📜Articolo 11🏛️ - Quando nasce la collezione? Quando abbiamo cominciato ad attribuire importanza all’esposizione delle cose? una panoramica sull’atto di esporre oggetti in Europa, dalle reliquie cristiane fino alle grandi collezioni rinascimentali, osservando come l’esposizione di oggetti diventa uno dei supporti con cui si struttura il metodo scientifico. Scritto da: Leonardo Vignolini 🔗Link per l'articolo: https://lnkd.in/djMv55_E

https://lnkd.in/dA9CUiD7 Il nuovo logo 2024 del Politecnico di Milano è una restilying del logo originale. La ghiera del logo assomiglia ad un loader web statico non in fase di loading. Evidentemente la crisi dovuta al COVID-19, l'aumento delle tasse e degli affitti per gli studenti, ha mosso un cambio di strategia di comunicazione dell'università. Con l'aumento dei costi, molte università del centro nord hanno perso numero di iscritti ma, a differenza di molte università italiane meridionali, le università del centro nord si distinguono per la crescita delle Start-Up Spinoff universitarie e dell'impreditoria giovanile, nonostante ci siano anche molti fallimenti aziendali. Dove c'è un mercato competivo, c'è lavoro, ma può esserci anche una saturazione dei settori di mercato hi-tech, con un conseguente fallimento delle aziende. Il centro nord ha mercati molto competitivi, ma anche di difficile gestione, poichè quando c'è un trend di mercato in espansione, molte aziende competono su quel segmento di mercato portandolo alla saturazione. Quando si satura il mercato, c'è poco lavoro per tutti e a prezzi stracciati. L'azienda economicamente più forte resta sul mercato, le altre chiudono. Un gruppo di giovani che si cimenta a gestire una Start-up, spesso viene sostenuto per alcuni anni da agevolazioni fiscali e da finanziamenti pubblici o misto pubblico privati. Ma purtroppo capita molto spesso, che alla fine delle agevolazioni fiscali e finanziamenti, la start-up chiuda battenti, poichè ha uno shock dovuto all'ingresso nel mercato privato non più finanziato, in cui l'idea innovativa o prodotto innovativo non riesce ad essere commercializzato o costa troppo o non è un prodotto certificato per la vendita, poichè ci vorrebbero altri anni di finanziamenti per la certificazione di prodotto. Fare azienda in Italia è complesso sopratutto per la mentalità italiana che va dalla R&D finanziata di prodotto alla vendita di prodotto (dalla materia prima al prodotto finito). Ciò che di tecnologico non si produce in Italia, viene importato dall'estero e venduto attraverso meccanismi di WholeSale retail (vendita di beni, gestione e manutenzione degli stessi). Abbiamo molte aziende parastatali o pubbliche che in fase di privatizzazione hanno subito lo schock dal passaggio pubblico privato e hanno avuti crisi non sempre risolvibili se non con la vendita a soci privati. Ci sono aziende partecipate che sono anni ormai che versano in condizioni di debito, ma la parte pubblica le ha sostenute, aumentando le tasse dei cittadini e consumatori. In Russia è quasi tutto pubblico, ma lo stato russo non è in debito, il debito è aumentato con la guerra in Ucraina, ma l'economia viene sostenuta dai cittadini. Molte aziende italiane, a causa delle sanzioni europee alla Russia sono state nazionalizzate e per andare via dalla Russia, devono pagare molte tasse allo stato Russo in quanto proprietà dello stato Russo. Tra poco venderemo pure lo stato Italiano agli imprenditori esteri.

Sempre bello portare l’arte in nuovi territori grazie anche a Consulenza d'Impresa.

S T A N D   E V O L U T I O N Uno stand non è solo uno spazio espositivo. È il riflesso di un’identità aziendale, una vetrina che racconta una storia. Ma perché continui a essere efficace, deve evolversi, adattandosi alle tendenze, alle tecnologie e ai nuovi modi di comunicare. Questo è l’approccio che ci guida da oltre un decennio nella collaborazione con Quantra Quartz. Insieme, abbiamo dato vita a stand fieristici in Italia e all’estero che, anno dopo anno, hanno mantenuto inalterato il cuore e l’anima del brand, ma con un design sempre nuovo, capace di catturare l’attenzione dei visitatori e rispondere alle sfide dell’innovazione. Ogni progetto è un’opportunità di guardare oltre, di sperimentare e di rafforzare un’identità, trasformandola in una presenza concreta e memorabile. Evolversi non significa cambiare, ma crescere insieme. Qui puoi scoprire tutti gli stand realizzati per questa azienda https://lnkd.in/d8teibHv Project: Quantra Quartz Design: Allestimenta #allestimenta #exhibitions __________ Siamo Allestimenta e siamo pronti ad affrontare le prossime sfide, raccontando la storia di Quantra Quartz e di tutte le altre aziende che ci sceglieranno.

L'alfabeto del design \ H (come heritage) Il tocco dell’Unesco è letale, perché condanna interi territori in un passato eterno, mummificato, che esclude per sempre l’evoluzione. La provocazione è del saggista Marco d’Eramo, secondo cui «certo che vi sono beni che vanno tutelati, ma è anche vero che se avessero protetto l’Acropoli di Atene come era allora, oggi non avremmo il Partenone». Per i brand il rischio è simile: vivere quel patrimonio di valori, segni e cultura che rappresenta l’heritage di un marchio, come fosse una prigione che impedisce all’azienda di aprirsi al presente e al futuro. Quando lavoriamo per un marchio, preferiamo pensare che l’heritage non sia qualcosa che è stato, ma qualcosa che diviene ogni giorno: nella scelte di progettazione, nei riferimenti visivi e verbali, nello stile con cui scegliamo di dare forma a un concetto. È il come, molto più che il cosa. Certo che va rispettato, ma va soprattutto interiorizzato: la cultura di un brand va studiata, vissuta, respirata, perché diventi il dna del progetto e viva in ogni dettaglio. In questo senso l’heritage non è certo il passato, piuttosto è la direzione che prenderà il futuro. ---- Nell'immagine: Archivio Personale x Gucci, Gucci Garden Archetypes 2021, Florence. Photo Courtesy: Gucci . . . . #brandidentity #heritage #brandesign #eventdesign #exhibitiondesign #fashionmarketing #fashiondesign

#FLOS  All’origine di Flos c’è un pensiero luminoso: l’idea di far nascere da una lampadina oggetti adatti a cambiare il modo di abitare, non solo degli italiani. Così all’inizio degli anni ’60 un certo signor Gavina, con il piccolo produttore di Merano Eisenkeil, si mette in testa - dopo aver creato molti nuovi mobili (con i fratelli Achille e Pier Giacomo Castiglioni, Afra e Tobia Scarpa e altri maestri del design) - che è arrivato anche il momento di creare nuove lampade. Così i Castiglioni e gli Scarpa, con la tecnica del cocoon, ideata in USA e sperimentata da Eisenkeil, iniziano a realizzare lampade come la Taraxacum o la Fantasma. A queste prime lampade ne seguono molte altre, bellissime e sorprendenti: così già dalla sua preistoria Flos (Fiore, in latino, nome che sceglie per lei Pier Giacomo Castiglioni) si ritrova a reinventare l’idea di illuminazione artificiale. Diventare Flos Come fa un’industria a diventare un laboratorio dove si rivoluziona l’idea di “lampada”? Per Sergio Gandini, che inizia a dirigere Flos nel 1963, non c’è contraddizione tra il progetto d’impresa e fantasia creativa: combinate tra loro porteranno la sua azienda al successo. Il tessuto industriale di Brescia è perfetto per dare ai designer massima libertà d’azione, si tratti della lampada Jucker di Tobia Scarpa – ispirata dal Bauhaus – o della rivoluzionaria Arco dei Castiglioni. Prima e a lungo unica tra le industrie del design italiano, Flos basa le sue strategie su quella che oggi si chiamerebbe una Think Tank. Gandini e i suoi designer esclusivi (i Castiglioni, gli Scarpa) decidono insieme prodotti, comunicazione, immagine… Insieme tracciano le linee dei loro desideri, le design lines che porteranno alla creazione delle lampade più iconiche nella storia dell’illuminazione. Dal MoMA al Mondo La mostra Italy The New Domestic Landscape del 1972 al MoMA (Museum of Modern Art) di New York, il più importante museo d’arte contemporanea d’America, rivela al mondo un fenomeno popolare senza precedenti nella cultura industriale e artistica. Flos compare nella mostra con diversi oggetti, soprattutto dei fratelli Castiglioni: è la sua consacrazione internazionale come impresa d’avanguardia e da allora popolarità e sviluppo dell’azienda vanno di pari passo. Tra anni ‘70 e ‘80 crescono la produzione (con nuovi stabilimenti), il mercato (con le prime società estere) e il catalogo dei prodotti (anche con l’acquisizione dell’Arteluce di Gino Sarfatti). Ed è ancora una nuova mostra, la grande personale di Achille Castiglioni che dal 1984 si tiene in otto capitali europee, da Vienna a Madrid, a confermare che l’esperienza Flos è unica, irripetibile quanto imprevedibile nella sua continua evoluzione. ACQUISTA FLOS  https://amzn.to/3ZHMO8y 

Dall'archivio di SMALLZINE #35 per la sezione DESIGN.ER un estratto de L’IMPOSSIBILITÀ DELLA PERFEZIONE | Elena Salmistraro intervista di Loredana Barillaro *** "Dimmi Elena, da cosa sei partita, quali sono stati i tuoi esordi? Elena Salmistraro/ Dopo la laurea in Design del Prodotto al Politecnico, come tutti ho cercato di fare esperienza in alcuni studi milanesi, ma sin da subito ho capito che avrei dovuto iniziare un mio personale percorso. Ho così realizzato la mia prima collezione autoprodotta, un divano e delle lampade in cartapesta accoppiati ad alcuni vasi in terracotta. Erano degli oggetti, con una fortissima componente artistica, che esaltavano l’aspetto artigianale della produzione riuscendo anche ad avere una forte carica emozionale e comunicativa che vennero prima selezionati da Superstudio per una mostra nel basement durante il Fuorisalone del 2012, e successivamente scelti da Andrea Branzi e Silvana Annicchiarico per un’altra mostra, questa volta itinerante e curata dalla Triennale, che ha girato l’intero pianeta, “The New Italian Design”. Quello è stato l’inizio di un lungo percorso fatto di tante difficoltà ma anche di tante soddisfazioni. Sembra che tu riesca benissimo a rendere “unico” anche un oggetto prodotto in serie – che è poi la caratteristica di base del design – ovvero non mettere limiti alla bellezza fornendogli un carattere di accessibilità, come ci riesci? ES/ Il mio percorso di studi mi ha portato principalmente a conoscere l’arte, la moda ed il design. Oggi quello che cerco di fare con il mio lavoro è tentare di lavorare al limite di queste tre discipline, cercarne le affinità ed esaltarle nella loro complessità. L’immagine intesa come disegno è sempre il punto di partenza, che successivamente si evolve fino a mutare in oggetto. L’unicità credo sia semplicemente la conseguenza di una metodologia bislacca che testardamente perseguo e non saprei dire se sia o meno la base del design, è semplicemente l’area di ricerca che trovo più affine alle mie capacità e soprattutto più divertente. Introdurre, per quanto possibile, elementi “artistici” all’interno del processo industriale è una delle cose che mi affascina maggiormente. Ovviamente le difficoltà sono enormi perché si tratta di modificare processi produttivi già rodati, innalzare spesso i costi di produzione alla ricerca di una componente espressiva non sempre compresa o apprezzata, ma quando ci si riesce la soddisfazione è maggiore..." © SMALLZINE e Loredana Barillaro

𝗜𝗻 𝗺𝗼𝘀𝘁𝗿𝗮 𝗮𝗹𝗹𝗮 𝗧𝗿𝗶𝗲𝗻𝗻𝗮𝗹𝗲 𝗱𝗶 𝗠𝗶𝗹𝗮𝗻𝗼: 𝗜𝗼 𝘀𝗼𝗻𝗼 𝘂𝗻 𝗱𝗿𝗮𝗴𝗼 𝗟𝗮 𝘃𝗲𝗿𝗮 𝘀𝘁𝗼𝗿𝗶𝗮 𝗱𝗶 𝗔𝗹𝗲𝘀𝘀𝗮𝗻𝗱𝗿𝗼 𝗠𝗲𝗻𝗱𝗶𝗻𝗶 "Credo che la mostra della Triennale Milano sia il giusto riconoscimento, anche se ne ha avuti molti (lui direbbe troppi) in vita, perché cerca di valutare la capacità inarrestabile di produrre progetti multimediali, senza una collocazione specifica in una sola disciplina, e questo simboleggia la ricerca “artistica”, solitaria, di un vocabolario globale." Leggi l'articolo su One Magazine ⤵️ #alessandromedini #mendini #triennale #design

Con grande onore, sono felice di condividere con voi il risultato del mio percorso accademico in Fashion Design presso lo IED di Firenze. Luglio 2024 rappresenta la tappa finale di questo viaggio, con la presentazione della mia collezione intitolata "The Circle". ll progetto esplora la curiosità umana come forza motrice dell'esplorazione, dell'innovazione e del progresso. Spesso ci si concentra sulle risposte, ma è nelle domande che si esprime la vera curiosità. La percezione, come filo conduttore, ci guida attraverso mondi misteriosi e inesplorati: l'immaginazione, gli istinti, i sogni. Ogni interrogativo ci coinvolge emotivamente, creando un vortice in cui confusione, nostalgia, gioia e passione si intrecciano. In questo caos, però, si trovano momenti di chiarezza, attingendo alla nostra esperienza e storia personale. Il cerchio diventa un simbolo di equilibrio e stabilità in un mondo caotico e oscuro. Quando le emozioni si collocano, emerge un suono netto che porta alla luce della consapevolezza. Questo concetto trova ispirazione nell'opera di Anish Kapoor, in particolare in "Gathering Clouds", che attraverso la forma concava del cerchio sfida la percezione visiva e invita a riflettere sul vuoto, sull'oscurità e sull'esperienza sensoriale. È importante comprendere che La collezione non è solo una celebrazione dell'estetica, ma anche un tributo all’incertezza, alla complessità e alla conoscenza. In questo viaggio tessile, l’abbigliamento diventa un mezzo di espressione personale, un modo per abbracciare la propria storia. Questi abiti non sono semplici indumenti, ma rappresentazioni tangibili della nostra essenza.