Maler Chaïm Soutine in Düsseldorf: Makabre Schlachtplatten für die Augen

Hat man schon mal so traurige Heringe gesehen? Zur Mahlzeit liegen sie auf dem Teller bereit, aber sind sie wirklich tot? Oder sehen sie nicht vielmehr verschreckt ihrer eigenen Verspeisung ins Auge? Mager, wie sie sich winden, versprechen sie keine üppige Kost, aber zwei spindeldürre Gabeln mit befremdlich lebendigen Zinken werden sich sogleich an ihnen zu schaffen machen. Einige Fasane sind aufgebahrt wie auf einem Leichentuch; die Gans mit abgezogenem Federkleid baumelt, regelrecht gehenkt, an einem Balken im Dunkel. Dann hängt da ein gepeinigter Rochen mit entweichendem Gedärm – all dies Bilder, die zwiespältige Empathie hervorrufen: virtuose Malerei als makabre Schlachtplatte für das Auge. So auch ein blutiger Ochse in kapitalem Format, gegeben in einem brutalistisch-eruptiven Gestus, der in der Pariser Kunst um 1925 seinesgleichen sucht. Eine Violine zwischen Baguette und Fisch weist skelettöse Züge mit elegisch gewundenem Hals auf, als sollten wir selbst unzweifelhaft leblosen Gegenständen unser Mitgefühl schenken. Schließlich die Menschen in den denkwürdigen Porträts von Chaïm Soutine. Schwermütige Gestalten, schmächtig und doch fleischlich durch und durch, bevölkern sie eine Welt, die ihre stets vereinzelten Bewohner noch in den entlegensten Bergdörfern in einen psychedelischen Strudel zieht. Eine jüngere Generation könnte vermuten, der Künstler habe solche Landschaften am Computer mit dem Programm Photoshop oder ChatGPT entworfen, verzerrt und ins Wanken gebracht. Soutine und wie er die Welt sah – sie ist aus den Fugen geraten. Selten drängt sich in einer Ausstellung moderner Malerei die Vermutung so hartnäckig auf, ein Künstler kehre mit schier allem, was er produziert, seine innerste Psyche nach außen – erkenne eine künstlerische Wahrheit in der ihm eigenen Perspektive und treffe zugleich den Nerv der Zeit: die Wirren, die Nachwehen und den Phantomschmerz des Ersten Weltkriegs. Chaïm Soutine, geboren 1893 nahe Minsk, gestorben 1943 in Paris, ist ein unbekannter Klassiker der Moderne und ein fulminanter Anreger der künstlerischen Nachwelt, dem Publikum, nicht zuletzt in Deutschland, kaum ein Begriff. Ein typischer Künstlerkünstler. Mehr als vierzig Jahre liegen seit der hierzulande letzten monographischen Schau des gebürtigen Weißrussen zurück (seinerzeit im Westfälischen Landesmuseum Münster), jetzt konzentriert sich die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf mit 64 Werken auf die Jahre bis 1925, wohl die stärkste Zeit des Exilanten, und breitet damit etwa ein Zehntel des hinterlassenen Œuvres aus. „Gegen den Strom“ lautet der blasse Titel einer fesselnden Schau. Soutines Geschichte mutet an wie literarischer Stoff: Kommt ein junger Migrant, gerade zwanzig Jahre alt, aus Osteuropa in die Metropole Paris, will sich als Künstler etablieren, wofür die Eltern nie Verständnis hatten; knüpft Kontakte, schließt Freundschaft mit Künstlern wie Amedeo Modigliani, malt jahrelang vor sich hin, als ihn – 1922 in Person von Albert C. Barnes – ein schwerreicher Sammler aus Übersee entdeckt und er zum Shootingstar avanciert: Aufstieg als Paukenschlag. Eine solche Story könnte sich heute noch genauso in Paris oder in Berlin vollziehen, eine glückliche Erfolgsgeschichte war diese Biographie gleichwohl nicht, was auch dem lebenslangen Magenleiden geschuldet war, an dem der jüdische Maler im Versteck in der französischen Hauptstadt 1943 sterben sollte. Seine Akademie war der Louvre Auch die Rolle des Fremden lastete auf ihm in einer Gesellschaft, die den „peintre maudit“ außen vor ließ und ihm den Erfolg neidete. Immerhin konnte der bettelarme Künstler, nachdem Barnes auf einen Schlag über fünfzig Bilder von ihm erworben hatte, eigene Wohnungen anmieten, nach Amsterdam reisen, um Rembrandt zu studieren, und immer wieder neue Ateliers beziehen (auch als Flucht – die Vaterschaft seiner Tochter Aimée verleugnete er). Seine Akademie war der Louvre, dort studierte Soutine eingehend Vorbilder wie Jean Siméon Chardin, Gustave Courbet und Jean-Baptiste Camille Corot, die er verehrte. Was er daraus entwickelte, wollte nicht Avantgarde sein und war seiner Zeit malerisch doch in mancher Hinsicht voraus, was die von Susanne Meyer-Büser kuratierte Düsseldorfer Bilderschau zu einem Ereignis ersten Ranges macht. Von Ferne betrachtet, lichtet sich unverhofft die dichte Textur vieler Gemälde, leuchtet auf und wird transparent, im Nahblick zeigen sich um so deutlicher die beherzten, tachistischen Momente einer Malerei, die man so eher nach dem Zweiten Weltkrieg vermuten würde – in New York zum Beispiel, wo das Museum of Modern Art Soutine 1950 postum eine Retrospektive ausrichtete. Die wurde von der Künstlerschaft als Faszinosum aufgenommen. Willem de Kooning und Jackson Pollock erkannten die Vehemenz dieser Bilder, der Kritiker Clement Greenberg nannte Soutine einen der „malerischsten Maler, die es je gab“. In Europa wirkte er auf Francis Bacon und Jean Fautrier, später auf Alice Neel und bis heute auf eine ganze Riege jüngerer Malerinnen und Maler. Der erstaunliche fingerdicke Farbauftrag, den Soutine in den Hügeldarstellungen aus dem Pyrenäendorf Ceret an den Tag legt und der sich vom Gegenstand komplett emanzipiert, geht dem Werk des Franzosen Eugène Leroy voraus. Erstaunlich, dass der Gewährsmann der Malerei im späteren zwanzigsten Jahrhundert in den Museen so wenig präsent ist. Was macht sein Œuvre so singulär? Eine ganz und gar eigenwillige Phantasie teilt sich Bild für Bild in der Ausstellung mit, ihre Intensität lässt an Vincent van Gogh, Oskar Kokoschka oder Egon Schiele denken. Ob Porträt, Landschaft oder Stillleben, der Einzelgänger arbeitete ohne Skizze, Studie oder Foto, doch konnte er auch nicht aus dem Gedächtnis malen, sondern nur im Angesicht des Motivs. Offenbar nahm er die Realität tatsächlich so verschroben, so dramatisch und tragisch wahr, wie er sie auf die Leinwand brachte. Zum Ausdrucksträger in den Bildnissen von Pagen, Kellnern, Messdienern erhebt Soutine, auch darin unkonventionell, oft große, rote, ungleiche Ohren, die in die Fläche geklappt sind und seltsam wirken – womöglich eine Reaktion auf den Kubismus. Auch sich selbst malt Soutine 1918 so. Bei seinen anonymen Protagonisten forciert er damit den Eindruck von Ausgesetztsein und Schutzlosigkeit, man kommt ihnen in diesen Gemälden sehr nahe. Auch Verlorenheit spricht aus den asymmetrischen Augen und ihren schwarzen Pupillen, den manieristischen Händen, dem zerfließenden Fleisch, den anatomischen Deformationen. Insgesamt wirken diese Bildnisse entrückt, kafkaesk, ebenso skurril wie existenziell. Als lebten diese Menschen, wie ihr Maler, in der Diaspora. Chaïm Soutine. Gegen den Strom. Kunstsammlung K20, Düsseldorf; bis 14. Januar 2024, anschließend im Louisiana Museum Humlebæk und im Kunstmuseum Bern. Der Katalog kostet 32 Euro.